Artis amantes

Rompiendo el silencio con Goya

2007-06-14T15:01:00.000+02:00

Bien, como ya he dicho en el comentario de Mixtura griega, voy a hacer una entrada nueva porque... porque me apetece. En cinco minutos elijo el tema... tic tac... tic tac... tic tac... tic tac... ¡ya está! Ahí va:

He decidido hablar de Goya, pero no os asustéis, no voy a soltar el rollo que suele soltarse en estos casos (que si etapas, que si mudanzas...). Voy a hablaros de la faceta de Goya como antecedente a todo el arte posterior mediante una serie de ejemplos (acordaos de ampliar las fotos clickando sobre ellas). Vamos, ¡seguidme!

En primer lugar vamos a comparar dos famosísimas pinturas historicistas de Goya, "El 2 de mayo" (también conocida como "La carga de los mamelucos) y "Los fusilamientos del 3 de mayo", con "La libertad guiando al pueblo" de Delacroix:

Al igual que la Revolución Francesa inspiró a Delacroix, la Guerra de la Independencia hizo lo mismo con Goya. Estos dos cuadros de Goya poseen prácticamente todas las características que un cuadro romántico, como es el caso del de Delacroix, debe poseer:

- Potencia sugestiva del color en detrimento del dibujo neoclásico.
- Resurrección de las luces vibrantes.
- Composición dinámica, con personajes en posiciones convulsas y gestos dramáticos que contrastan con las figuras congeladas del neoclasicismo.

A pesar de que tanto el tema como el color y la pincelada se asemejan mucho a las del Romanticismo, no debemos olvidar que este movimiento no surgirá hasta 1830, y Goya nace a mediados del siglo XVIII.

En efecto, Goya, cronológicamente, pertenece al neoclasicismo, pero su pintura poco o nada tiene de neoclásica si excluimos las pinturas religiosas que realizó en la Cartuja de Aula Dei de Zaragoza, en las cuales sí muestra ciertas pinceladas neoclásicas:

(La pintura de la esquina superior derecha de esta fotografía no sé que pinta aquí, pertenece a su etapa rococó, en la que pintó una serie de cartones para la Real Fábrica de Tapices)

Pero Goya no sólo se adelantó a su tiempo pictóricamente, también lo hizo ideológicamente, pues reclamó la función de crítica social del arte, es decir, el uso del arte como un medio reivindicativo. Deja constancia de ello, sobre todo, en sus grabados. Para entonces, Goya ya no pinta para la Corte, sino que trabaja por libre, como los pintores modernos. Además, con los grabados creó un nuevo medio de difusión del arte que sería, posteriormente, copiado por muchos: la venta de obras artísticas a través de anuncios publicitarios en los periódicos.

En la serie de grabados de "Los Caprichos", Goya critica y satiriza a una sociedad repleta de vicios tales como la bebida, la lujuria o la mala educación:

Goya no sólo es prerromántico, sino también preimpresionista. A pesar de que el impresionismo como corriente no surge hasta el último tercio del XIX, en "La lechera de Burdeos" de Goya, cuadro que hizo sólo un año antes de morir, ya podemos ver muchas de las características impresionistas. "La lechera de Burdeos" es, por tanto, un cuadro luminoso y fugaz, de pinceladas sueltas, yuxtaponiéndose éstas de forma que los colores se mezclen en nuestra retina ("mezcla óptica"), no ya en el cuadro:

Así mismo, Goya también puede ser considerado pre-expresionista gracias a sus "pinturas negras". Goya cae en una depresión y se dedica a pintar las paredes de su casa con estas pinturas en las que lo macabro y lo tenebroso acaparan el protagonismo. Los colores son sombríos y las formas, como en el expresionismo, deformes. Las "pinturas negras" transmiten desesperación, angustia y crisis interior. Una de las que más me impresionan es "Saturno devorando a sus hijos":

En las "pinturas negras", Goya también se distingue como pintor presurrealista, puesto que refleja el mundo del subconsciente y de lo onírico. A continuación, "El coloso" y "El aquelarre":

Además, en las "pinturas negras", Goya pone en práctica una nueva técnica pictórica: el óleo sobre muro, pues pintó al óleo directamente sobre las paredes.

Y, por último, consideraremos la faceta preabstracta del artista o, más concretamente, su faceta preinformalista, la que queda plasmada en el curioso cuadro de "El perro":

Y eso es todo, amigos ;D

Mixtura griega

2007-01-26T15:50:00.001+01:00

No sé muy bien cómo enfocar esta entrada, una opción sería exponerla de forma técnica, pero no voy a hacerlo. Por el contrario, os propongo un viaje a la Antigua Grecia, un viaje en el que tendremos que abrir nuestras mentes e imaginar, reconstruir no sólo un edificio, sino un pensamiento, una filosofía, una cultura, un modo de vida. No es difícil, al fin y al cabo somos, como diría Valle-Inclán, la "grotesca degeneración de esa civilización", sólo necesitamos hacer una profunda introspección, como Platón señalaría, "guiada por el Eros", para hallar nuestro alter ego griego. Intentémoslo.

Para empezar esta reconsturcción deberemos tener en cuenta, a mi parecer, los siguientes puntos:

- Su mayor preocupación es la proporción y la armonía (ideal de belleza clásica), no en vano, Pitágoras creyó encontrar en el número la clave ordenadora del mundo. Así surgen los órdenes, o, lo que es lo mismo, una serie de reglas que se refieren a la forma, escala y decoración de las principales partes del edificio. Estos órdenes son: dórico, jónico y corintio.

- Los edificios aparecen pintados. Por lo general, en azul los triglifos (losas de piedra acanaladas formadas por listeles verticales divididos por dos surcos y dos semisurcos) y en rojo las metopas (placas que sirven para rellenar los espacios entre triglifos).

- Dado que los cultos se celebraban fuera de los edificios, se interesan por los exteriores, llegando a realizar correcciones ópticas arqueando el entablamento (situado sobre la columna, soporta y reparte la carga de la cubierta), ya que el ojo humano tiende a curvar las líneas rectas; la sensación visual será, así, de absoluta rectitud. Además, las columnas las inclinan hacia el interior, y el entablamento, por el contrario, hacia el exterior; tal era su afán por lograr la perfección óptica de las formas.

Pero, ¿existe realmente una arquitectura griega? Según el arquitecto Bruno Zevi, los edificios griegos no son arquitectura, pues para que fueran calificados como tales deberían ser habitados en su interior. Recordemos que los templos griegos son la casa del dios o la diosa a la que van dedicados y nadie excepto, en ocasiones, el sacerdote, entra en su interior.

El templo más emblemático es, sin duda, el Partenón. A diferencia de la mayoría del resto de templos dóricos, el Partenón es octástilo (tiene ocho columnas en su fachada anterior y posterior) y no hexástilo (de seis).

Durante las Guerras Médicas contra los persas (siglo V a.C.) fue destruido y, posteriormente, reconstruido por Calícrates, Ictinos y Fidias. Está dedicado a Atenea, diosa de las artes y la sabiduría, y protectora de la polis de Atenas.
La naos (o nave principal central del templo) estaba presidida por una escultura de Fidias: una descomunal estatua crisoelefantina (de oro y marfil) de Atenea de doce metros de altitud que, irónicamente, se ha perdido.

Reconstrucción de la Atenea del Partenón

Otro elemento a destacar del Partenón son sus frontones. El oriental tiene temática pacífica: el nacimiento de Atenea; y el occidental, temática violenta: la lucha entre Atenea y Poseidón (Minerva y Neptuno para los latinistas) por el dominio del Ática.
En sus metopas se representa la Gigantomaquia, la Centauromaquia (metáfora de griegos, hombres; contra persas, centauros), la Amazonomaquia y la Guerra de Troya.

En el siglo XV, el Partenón, tras haber sido iglesia bizantina, se convierte en una mezquita turca. Durante el siglo XVII, en los enfrentamientos contra los venecianos, se dañó gran parte de su estructura. Posteriormente, los británicos se llevarían la mayoría de los mármoles.

"El teatro de Epidauro es digno de contemplación"
Pausanias dixit.

Así debió de ser, sin duda. El teatro de Epidauro tenía una capacidad de nada más y nada menos que 12.000 espectadores, teniendo en cuenta que la población ateniense por aquel entonces era de unos 30.000 habitantes, podemos darnos cuenta de su magnificencia e importancia.

El teatro griego se realiza, como es de esperar, de acuerdo a unos estrictos principios geométricos que entonan con esa omnipresente búsqueda de la perfección de las formas.

Aunque surgió como un edificio de marcado carácter religioso, evolucionó a temática profana, sin dejar de lado el culto a Dioniso (Baco), pues se cantaba y bailaba alrededor de un templete dedicado al dios situado en el centro de la orchestra (el espacio central circular del teatro). Se va unificando, así, culto y juego, surgiendo, como reacción, la tragedia (Esquilo, Sófocles, Eurípides), en representación de lo primero, y la comedia (Aristófanes, Antífanes, Menandro), como expresión del juego.

El templo del Partenón y el teatro de Epidauro: dos expresiones de Arte griego distintas, pero que, a la vez, responden a un mismo mundo y espíritu, donde la búsqueda de la belleza lo es todo.

NOTA: Vale la pena ampliar las imágenes! ;D

Marte, Dios de la guerra. (Velázquez)

2007-01-17T00:46:00.000+01:00

Continuando con la historia que contaba en "La fragua de Vulcano", traigo aquí al traidor: Marte, Dios de la Guerra.

Nos habíamos quedado en que Apolo iba a la fragua de Vulcano y le contaba que su esposa Venus le era infiel con Marte. Vulcano, cabe suponer que muy cabreado por el asunto confeccionó una malla de hierro con la que cazar a los amantes y poder mostrar su traición a todos los dioses del Olimpo.

Y así sucedió.

Velázquez no presenta aquí un Marte al uso, es decir, un dios guerrero y triunfante, sino un ser muy terrenal con aspecto cansado. A mí me parece más bien resignado. Lo que no sería de extrañar si tenemos en cuenta que acaba de ser pillado "in fraganti" por el marido de su amante y sometido a la contemplación pública de los demás dioses.
Observemos que se le sitúa sentado en el borde de una cama que se intuye revuelta, y con las armas en el suelo.

Lo que no deja de ser llamativo es que lleve el casco puesto.

También me llama la atención la parte superior del cuadro, que Velázquez pintó tan "vacío", en contraposición con la parte inferior. La mayoría de los autores parecen coincidir en que el autor mostraba aquí una visión un tanto jocosa o irónica del dios Marte. No se sabe la fecha exacta en la que se realizó esta obra, pero se la sitúa entre 1640 y 1642.

¡Que nadie me quite Venus, que es lo que sigue!

(imagen en grande aquí)

RODIN

2007-01-11T18:41:00.000+01:00

Al parecer, soy dueña y señora de este blog, por inexplicable ausencia del resto de compañeras (bueno, Maggie está de viaje); como tal, comienzo a redactar el que va a ser uno más de los posts que, solitariamente, elaboro. Es el turno de Rodin.

"Edad de bronce" 1876

Sin duda, se trata del escultor más importante del siglo XIX. Amaba la pasión, el ingenio, el trabajo y a Miguel Ángel (en quien se inspiraría para sus esculturas inacabadas); en contraposición, despreciaba el dinero.

"El beso" 1886

Tenía un método de trabajo muy original: varios modelos desnudos, hombres y mujeres, paseaban por el estudio o descansaban. Cuando uno hacía un movimiento que le agradase, le pedía que se quedara así; entonces, tomaba barro y hacía un boceto. Pretendía captar la vida en movimiento: "Las diferentes partes de una escultura, cuando se las representa en momentos sucesivos, producen una ilusión de movimiento real", decía Rodin.

"Las puertas del Infierno" (escenas de la Divina Comedia) 1880-1917

También le interesó muchísimo la luz, a través de la cual obtenía la profundidad que tanto le interesaba matizar. Su deseo era que una estatua se levantara totalmente libre y aguantara la contemplación desde cualquier punto de vista, siendo el espectador dinámico. Además, la escultura debía guardar relación con la atmósfera que la rodeaba.

"El pensador" 1880-1889

Aborrecía a los académicos; de ellos decía que hacían esculturas como si fuesen bajorrelieves o pinturas.

Cabe destacar que es el gran modelador de la historia de la escultura. Pensaba en barro, sentía en barro y manejaba el barro con gran destreza. La piedra apenas la trabajaba.

"Los burgueses de Calais" 1884-1886

En sus retratos, rechazaba la belleza externa; modelaba el alma y sacaba las verdades a flor de piel, provocando el estupor de los retratados. Sus retratos van, por tanto, de dentro a afuera.

Al final de su vida le llovieron distinciones. En 1907 se le nombró Doctor honoris causa por la Universidad de Oxford.

"El hombre con la nariz rota" 1864

La Victoria de Samotracia

2007-01-05T02:38:00.000+01:00

El autor de la Victoria de Samotracia es desconocido, posiblemente rodio, y fue realizada hacia el 190 a.C.
Es una talla en mármol de Paros (bellísimo mármol muy apreciado, usado sobretodo en las islas Cícladas) que, con las alas, supera los tres metros de altura, y se encuentra situada en la proa de una galera de mármol gris de Lartos.

En su puesto original, la figura aparecía en un templete, como metida en una cavidad y destacando sobre un fondo oscuro; y delante de ella, al pie de la proa, se abría un estanque del que surgían rocas y por el que corrían cascadas de agua, reflejándose así la estatua en el agua.

En esta obra, la Victoria deja de ser simplemente una mujer con alas tratada como una figura de proa azotada por el viento; se convierte en un cuerpo poderoso y fogoso que va a la conquista de los mares.

Debió de ser donada por los rodios al santuario de Samotracia a raíz de la victoria naval que obtuvieron en Side frente a Antíoco III de Siria (190 a. C.), y que les supuso, además del control de amplias comarcas en Caria y Licia, la alianza de numerosas ciudades e islas próximas. La obra estuvo al nivel del acontecimiento que conmemoraba.

Con las alas desplegadas y los pliegues del vestido humedecidos por el viento del mar, transparentes y delicadamente pegados al cuerpo, origina una sensación de movimiento. La fluidez de sus ropas contrasta con la firmeza del cuerpo en una actitud tensa y teatral.
El poeta italiano Marinetti la definió en 1909 como “la belleza de la velocidad”.

Personalmente, esta obra me gusta muchísimo, la forma en la que se ha representado el vestido y sus transparencias alcanza la perfección, creando un efecto que supera incluso en fuerza y realismo los pliegues mojados de Fidias.
El autor refleja su dominio de la técnica y la maestría en la representación del realismo en cada rincón de la obra.

Es una verdadera lástima que no podamos ver como el autor representa el rostro y los cabellos, seguramente alborotados por el viento, de la diosa.

El beso de Klimt

2006-12-29T14:11:00.000+01:00

El pintor austríaco Gustav Klimt realizó en Viena en los años 1907 y 1908 esta obra tan controvertida como hermosa: "El Beso".
El protagonista de la obra no es otro que el pan de oro, el cual aporta ese fulgurante brillo, y que, además, contrasta con la oscuridad del fondo.

La pareja se abraza ante un reducido prado repleto de florecillas, siendo difícil interpretar si están arrodillados o de pie. Ese prado finaliza de forma brusca, como si el pintor quisiera situar a los amantes al borde del precipicio. La pareja se enmarca también con una aureola dorada, vistiendo ambas figuras de ese color, adornadas sus vestimentas con rectángulos negros y grises el hombre -interpretados por Schorske como un símbolo fálico- y círculos de colores el de la mujer.
El ceñido vestido nos presenta claramente las formas femeninas, dejando ver piernas, hombros y brazos, sujetándose la joven con los dedos de los pies para evitar el precipicio. Su cabeza presenta una postura oblicua, inclinada hacia atrás y vuelta de lado, mirando hacia la perspectiva del espectador a pesar de sus ojos cerrados.
El hombre también presenta una escorzada postura, sujetando con sus manos la cabeza de la amada, dejando ver sólo la cabeza coronada de flores. Su ancho cuerpo y su actitud de dominio son dos elementos claves en la composición, interpretada por buena parte de los especialistas como una escena protagonizada por el propio Klimt y su buena amiga Emile Flöge.

"Friso Beethoven" 1902

Quizá el elemento más extraño sea el precipicio, símbolo de peligro al que podía dirigirse la relación, por lo que la mujer se aferra con sus pies a la pradera. El gesto de la mujer también ha sido interpretado como rechazo ante la agresión al que la somete el hombre, intentando evitar el dominio masculino sin un resultado positivo. ¿Podríamos considerar, en este caso, una muestra del "fracaso" de la lucha femenina por la emancipación que ya se estaba dando en aquellos momentos?

Sin embargo, a lo largo de la carrera de Klimt se repite esta temática en varias ocasiones: “El Amor”, “La Filosofía”, el Friso Beethoven o el Friso Stoclet, interpretándose como el símbolo de la reconciliación de los sexos, sin personalizar en la figura del artista y Emile.

"Friso Stoclet" 1905/1909

Nos encontramos en la obra que corona la llamada "fase dorada", etapa dominada por el decorativismo en la que las líneas sinuosas se adueñan del conjunto.
Klimt vuelve a recurrir al efecto mosaico bizantino que tanto llamaba su atención tras su viaje a Ravena.
Así pues, la sensación decorativista se repite en esta escena al integrar las plantas en un conjunto totalmente pintoresco. Se aprecia, pues, el uso de oro y elementos ornamentales como los usados en el retrato de Adele Bloch-Bauer, el friso de mosaico del palacio Stoclet en Bruselas o el retrato de Fritza Riedler.

"Retrato de Adele Bloch-Bauer" 1907

Es uno de los mayores símbolos de la Secesión, a pesar de estar ya roto el grupo.
El recuerdo de Renoir y Monet en estos trabajos resulta significativo aunque Klimt no esté interesado por captar efectos atmosféricos ni lumínicos.
El auge de Japón y la decadencia de su país marcó notablemente las obras de Klimt. Podemos ver en éstas su mayor admiración por la cultura asiática que por la suya propia.

Mis mejores deseos para todos.

2006-12-21T10:42:00.000+01:00

Me despido de vosotros hasta el año que viene deseandoos unas felices y dichosas fiestas, que disfrutéis al máximo estos días y que el año 2007 os traiga todo aquello que deseáis.

¡¡¡Feliz Navidad a todos!!!

Norman Rockwell, 1950

El arte de la tridimensionalidad

2006-12-20T20:28:00.000+01:00

Situémonos a principios del siglo XX, pensemos en innovación y, ahora, en las vanguardias artísticas; pero, sobre todo, pensemos en tridimensionalidad, en escultura.

"Petite volupté à genoux" 1907

Pablo Gargallo fue un escultor zaragozano y el más represantativo artista de mi tierra, Aragón, en el siglo XX (recomiendo encarecidamente visitar su museo en Zaragoza). Su afición por el manejo del hierro procedía de la profesión de herrero de su padre. Trabaja fundamentalmente con chapa recortada.

"Grand ballerina" 1929

Viaja a París, donde conoce a Picasso y la obra de Rodin le deja impresionado. En Barcelona, participó en la decoración del Hospital de Santa Cruz y del Palau de la Música. Muere, no sin cierto reconocimiento, al estallar la Guerra Civil.

"Masque de Greta Garbo à la meche" 1930

Su obra se caracteriza, sobre todo, por el uso del VACÍO (perfora el material), jugando con las formas cóncavas y convexas, de manera que al acentuarse los contrastes de luz entre ellas, se forma lo que llamó "volumen virtual". En sus obras, la mera sugerencia de volúmenes y luces es una invitación al espectador para que colabore en el entendimiento de la obra, descansando en este juego el placer estético.

"Urano" 1933

Su obra más conocida es "EL PROFETA", la cual representa a un hombre barbado, enjuto, que infunde temor. Las piernas, separadas, dan sensación de fortaleza y estabilidad. Los grandes pies parecen asirse con fuerza a la tierra. Alza el brazo derecho hacia el cielo en gesto amenazante, de amonestación.

"Estudio de El Profeta" 1926

Hay espacios vacíos, volúmenes interiores con los que forma la figura y la redondea. El hueco es, como ya he dicho, un elemento fundamental, valorándose éste más que la propia escultura. Crea un espacio hueco en la figura con planos verticales que permite el juego de luz y sombra.

"El Profeta" 1933

Llegó a hacer siete ejemplares de "El Profeta", que comenzó en 1904 y terminó de fundir en 1933.

¡FELIZ NAVIDAD Y PRÓSPERO 2007 A TODOS!

Felices fiestas y hasta pronto

2006-12-16T02:07:00.000+01:00

Con este post termino momentáneamente mi contribución a Artis Amantes. Marcho al extranjero por algún tiempo, pero no quiero irme sin desear a todos los lectores unas felices fiestas y un mejor 2007.

Christmas roses 1889, Carl Larsson

Que me reserven a Escher, Julian Beever, el Parque Vigeland, ¡Friedrich! (ahh, Indraaa...), etc., etc., que ya daré cuenta de ellos.

Caminante ante un mar de niebla.

2006-12-15T10:57:00.000+01:00

Ese es el título del cuadro que os ofrezco hoy, para mi el mejor representante junto con "Miranda, la tempestad" del romanticismo... La obra fue pintada en 1818 por Caspar David Friedrich. Es esa fuerza de la naturaleza y la paz al mismo tiempo de la soledad del caminate que la observa en todo su explendor lo que lo hace tan atractivo para mi. Es más, lo uniría a la gran obra "Cumbres borrascosas" de Emily Brönte y diría que el caminante bien podría ser el futuro esposo de Catalina en el transcurso de uno de los viajes para visitarla en su tenebroso hogar...

Y no me voy más por las ramas. De la obra he encontrado este apunte:

"...Puede tratarse de un cuadro conmemorativo por el fallecimiento de una persona no identificada. Dentro de un típico esquema compositivo en planos paralelos, lo fundamental de esta obra es la preeminencia otorgada a la figura contemplativa de espaldas, interpretada como una experiencia de unidad espiritual con la naturaleza..."

Y del autor:

"... Caspar David Friedrich es el máximo representante del Romanticismo en Alemania, y uno de los más importantes pintores de la época en Europa. Era el sexto hijo del fabricante de jabones y cerero Adolph Gottlieb Friedrich (1730-1809). Tanto él como la madre de Friedrich, Sophie Dorothea Bechly (1747-1781), procedían de Neubrandenburg, ciudad a la que acudirá en numerosas ocasiones el pintor a lo largo de su vida a visitar a sus familiares, y que quedará reflejada en muy diversos cuadros. Dos de sus hermanos fallecieron durante su infancia, y una hermana murió de tifus a los veinte años. Un hecho traumático, que marcaría al sensible pintor para toda su vida, fue el fallecimiento de su hermano Johann Christofer, un año menor que él. Habiendo caído Friedrich al agua al volcar una pequeña embarcación en la que navegaban, Johann Christofer se lanzó a salvarlo, pereciendo en el mismo intento ante los ojos de Caspar, quien tenía entonces trece años. En 1781 había muerto su madre; desde entonces el ama de llaves, a quien llamaban "Mutter Heiden", se encargó de cuidar a los niños. Caspar David se crió en un ambiente de devota religiosidad luterana, acendrada por las lecturas diarias de textos religiosos que su padre realizaba como parte de la formación de sus hijos. La relativa prosperidad del negocio permitió a Adolph Gottlieb Friedrich la contratación de un joven estudiante de teología como profesor particular. Este tutor privado enseñó a Friedrich principalmente latín, literatura y música. De esta época se conservan algunas láminas caligrafiadas (6167) con máximas de corte moral y pedagógico, imbuidas del espíritu de la Ilustración. En torno a 1790 comenzó a iniciarse en las técnicas del dibujo y el color como pupilo de Johann Gottfried Quistorp (1755-1835), profesor de dibujo en la Universidad de Greifswald. Su enseñanza fue determinante, así como la posibilidad de acceso a su espléndida colección de libros y grabados en cobre. Fue Quistorp quien acostumbró al joven Friedrich a recorrer a pie los alrededores de la ciudad y le descubrió numerosos lugares, entre ellos Eldena, Gützkow o la isla de Rügen..." Muchísimo más en este enlace.

Paul Gauguin

2006-12-13T22:12:00.000+01:00

Gauguin nació en el seno de una familia liberal parisina. Durante su juventud vivió cuatro años en Perú y realizó dos viajes a Brasil. Aquí comenzará su interés por lo primitivo.

"El Sena en el Puente d'Iena" 1875

Tras luchar en la guerra franco-prusiana, trabajará como agente en la Bolsa de París, hasta que ésta quiebra en la crisis financiera del 82. Decide, por tanto, mudarse a Bretaña y dedicarse a la pintura. Sin embargo, y al contrario de lo que se pueda creer, hasta entonces tan apenas se había interesado por el mundo del Arte.

"A la fenêtre" 1882

Van Gogh le invita a su conocidísima Casa Amarilla de Arlés, en la Provenza. No tarda demasiado en cansarse de Van Gogh y retorna a París. A partir de entonces su vida estará marcada por los continuos viajes que hace a Tahití. Incita a los indígenas de la zona a no pagar impuestos y se revela contra las autoridades civiles y religiosas. Por este motivo será encerrado en la cárcel, donde morirá de una crisis.

"Pastora bretona" 1886

Artísticamente, se debe saber, en primer lugar, que pertence al movimiento Post-impresionista (como Van Gogh, Toulouse-Lautrec o, incluso, Cézanne). Fue un defensor aférrimo del primitivismo en el arte, lo que nos lleva al movimiento Naif.

"Visión tras el sermón; Jacob luchando con el ángel" 1888

Su obra es una constante búsqueda de sí mismo, huyendo de la sociedad urbana y creando un mundo donde la naturaleza resplandezca. Rechaza cualquier clase de convencionalismo, es, en definitiva, un bohemio.

"Autorretrato" 1889

No representa el color ni como el ojo lo ve (como hacían los impresionistas), ni como la mente lo piensa (como harían más tarde los cubistas y el resto de corrientes conceptuales), sino de acuerdo a sus sentimientos; es precursor, por ello, del fauvismo.

"Mujeres tahitianas" 1891

Es también considerado el padre del Simbolismo, llenando sus pinturas de objetos portadores de mensajes connotativos, representantes de un concepto moral o intelectual. Esto desemboca directamente en la pintura sintética, donde la idea domina a la técnica.

"Manao tupapau (el espíritu de la muerte acecha)" 1892

Usa colores puros y planos, aplicados en campos extensos y encerrados en trazos negros, separando así el objeto pictórico del fondo. El arabesco (línea curvilínea) también es una de las características de su pintura.

"Mahana no atua (Día de Dios)" 1894

La influencia de las máscaras africanas y del arte románico queda patente en toda su obra, remarcando el carácter primitivista de la misma.

"Mother and daughter" 1902

He aquí la obra con más carga simbólica y, en mi opinión, la que mejor plasma la psicología del artista y su visión del mundo:

"D'où venons nous? Que sommes-nous? Où allons-nous?" 1897

Fallingwater

2006-12-10T23:57:00.000+01:00

Una de las casas más famosas del mundo, arquitectónicamente hablando, y una auténtica obra de arte integrada en el entorno es Fallingwater House, también conocida como "Casa Kaufmann" o "La Casa de la Cascada", obra del maestro arquitecto Frank Lloyd Wright, que está considerado el mejor representante de la arquitectura orgánica. No soy una gran entendida en arquitectura, pero no es necesario serlo para apreciar que con la Casa de la Cascada Wright consigue fundir arte y naturaleza en un espacio único.

Parte del éxito de Fallingwater reside en su emplazamiento: sobre la ladera de un barranco sorteando una caida de agua de un pequeño arroyo y rodeada de frondosa vegetación, a la que se accede cruzando un puente sobre el río. Fallingwater, que se encuentra en Pennsylvania, EE.UU., fue construida entre los años 1936 y 1939 como vivienda de fin de semana para el millonario dueño de unos grandes almacenes Edgar J. Kaufmann, por lo que es también conocida como "Casa Kaufmann". El hijo de Kaufmann describía Fallingwater así: "Wright concibió el edificio como una serie de bandejas separadas por bloques de piedras y reforzadas en los bordes. Fijó el volumen de la chimenea directamente sobre una enorme piedra y a su alrededor ordenó los espacios".

Fallingwater fue cedida en 1963 por su propietario a una sociedad dedicada a la protección del patrimonio mediambiental, que es quien en la actualidad se encarga de su conservación. Dicen que el propio Wright definió así a la Casa de la Cascada: "Fallingwater es una gran bendición, una de las grandes bendiciones que se pueden experimentar aquí en la Tierra".

Y para terminar, vamos a dar un paseo por Fallingwater.

Dadá, el nihilismo

2006-12-06T17:27:00.000+01:00

¿Es un Arte aquello que lo que pretende es precisamente destruir el Arte?

"Red de Paraderos" Duchamp 1914

El Dadaismo o movimiento Dadá surgió en Suiza a principios del siglo XX. En una Europa recién arrasada por la Guerra, un grupo de escritores y artistas manifiestan su rebeldía. Exaltan un sentido del humor basado en la sátira de todo lo establecido, lo absurdo y el azar. Tanto es así, que para escoger el término que denominaría a la corriente, abrieron un diccionario de francés por una página al azar y señalaron, también azarosamente, una palabra: dadá (caballo de madera).

"Collage con cuadrados dispuestos de acuerdo a las leyes del azar" Arp 1916

Reivindican el uso de todo tipo de materiales, incluyendo los de desecho. Su intención no es otra que la de provocar. No pretenden hacer Arte bueno ni malo, sino que lo que quieren es acabar con él, destruirlo, borrar la noción de Arte. Dirán: "Es absolutamente necesario meterse en la cabeza que el arte es para los burgueses, señores sin imaginación". No hace falta explicar qué opinan sobre el mundo burgués.

"La fuente" Duchamp 1917 (ready made)

La aportación dadá fue mucho más importante en el ámbito literario que en el artístico. Una de sus pasiones, curiosamente, era la de recitar poemas simultaneados en inglés, francés y alemán, con lo que el espectador no entendía nada.

"Rueda de bicicleta" Duchamp 1913 (ready made)

Podemos distinguir dos formas artísticas diferenciadas:

Los "Ready made", que eran objetos de uso común descontextualizados y recontextualizados en otro ambiente distinto. En ellos el artista tenía mínima intervención: firma, fecha y presentación en una exposición.
Los "móviles", donde su pasión por las máquinas les lleva a crear extraños artilugios.

"El gran vidrio" Duchamp 1923 (móvil)

El autor que más polémica suscitó y que más inlfuencia ha ejercido es Marcel Duchamp, pero, desde el punto de vista artístico, la aportación más importante fue la de Arp, quien hacía collages y relieves con maderas.

"Busto-figura" Arp 1923

La Fragua de Vulcano

2006-12-05T15:46:00.000+01:00

Inicio con esta obra mi pequeña contribución semanal a esta bitácora.

Pinchad Aquí para verla ampliada

Este es el primero y uno de los pocos cuadros sobre tema mitológico que compuso Velázquez. Fué realizado en el año 1630, durante su primer viaje a Italia, en el transcurso del cual se puso en contacto con la obra de los grandes maestros de la época. Su influencia en esta composición se observa en el tratamiento de los cuerpos semidesnudos y en la paleta de colores, más clara que en sus obras anteriores.

Se relata aquí el momento en el que el dios Apolo entra en la fragua de Vulcano (un dios feo, feo) y le comunica que su esposa Venus (la más bella de las diosas) le engaña con Marte (el requetemacizo de los dioses). Calificaría a esta obra de “fotográfica”, no por el realismo de la pintura, sino porque ciertamente parece como si Velázquez hubiera tomado una instantánea del momento.

Observamos a Apolo, que parece congelado en el momento de decir : ” Oye, que tu mujer te la pega” y a Vulcano que le mira como si todavía no hubiese asimilado la noticia. Vemos al ayudante de la derecha justo en el momento en que levanta la cabeza, sorprendido por lo que acaba de oir. Y al que está a su lado, el segundo por la derecha, que es mi favorito. Realmente parece decir: ” ¡Halaaaaaaa! “.

Eros y Psique

2006-12-04T03:25:00.000+01:00

El mito de Eros (o Cupido) y Psique ha sido ampliamente desarrollado en el arte, y hoy traigo dos obras, en escultura y pintura, para ilustrarlo.

Antonio Canova, (Italia, 1757-1822), Cupido y Psique o El amor de Psique (1800)

Pero ¿quiénes eran Eros y Psique? Me dirijo indirectamente vía el diario de Pompilo a las "Metamorfosis" del romano-bereber Apuleyo (novela quizás más conocida como "El asno de oro", en varios de cuyos libros centrales se halla la referencia a este tema mitológico) para ilustrar los desvelos del Alma (Psique) y el amor (Eros):

En una ciudad de Grecia había un rey y una reina que tenían tres hijas. Las dos primeras eran hermosas. Para ensalzar la belleza de la tercera, llamada Psique, no es posible hallar palabras en el lenguaje humano. Tan hermosa era que sus conciudadanos, y un buen número de extranjeros, acudían a admirarla. Incluso dieron en compararla a la propia Venus, y no advirtieron que, al descuidar los ritos debidos a esta diosa, tal vez estaban atrayendo sobre la bella y bondadosa joven un destino funesto. Venus, la diosa que está en el origen de todos los seres, herida en su orgullo, encargó a su hijo Eros: "Haz que Psique se inflame de amor por el más horrendo de los monstruos" y, dicho esto, se sumergió en el mar con su cortejo de nereides y delfines.

Psique, con el correr del tiempo, fue conociendo el precio amargo de su hermosura. Sus hermanas mayores se habían casado ya, pero nadie se había atrevido a pedir su mano: al fin y al cabo, la admiración es vecina del temor... Sus padres consultaron entonces al oráculo: "A lo más alto contestó la llevarás del monte, donde la desposará un ser ante el que tiembla el mismo Júpiter". El corazón de los reyes se heló, y donde antes hubo loas, todo fueron lágrimas por la suerte fatal de la bella Psique. Ella, sin embargo, avanzó decidida al encuentro de la desdicha.

Sobre un lecho de roca quedó muerta de miedo Psique, en lo alto del monte, mientras el fúnebre cortejo nupcial se retiraba. En estas que se levantó un viento, se la llevó en volandas y la depositó suavemente en un pradera cuajada en flor. Tras el estupor inicial Psique se adormeció. Al despertar, la joven vio junto al prado una fuente, y más allá un palacio. Entró en él y quedó asombrada por la factura del edificio y sus estancias; su asombro creció cuando unas voces angélicas la invitaron a comer de espléndidos platos y a acostarse en un lecho. Cayó entonces la noche, y en la oscuridad sintió Psique un rumor. Pronto supo que su secreto marido se había deslizado junto a ella. La hizo suya, y partió antes del amanecer.

Pasaron los días por la soledad de Psique, y con ellos sus noches de placer. En una ocasión su desconocido marido le advirtió: "Psique, tus hermanas querrán perderte y acabar con nuestra dicha". "Mas añoro mucho su compañía dijo ella entre sollozos. Te amo apasionadamente, pero querría ver de nuevo a los de mi sangre". "Sea ", contestó el marido, y al amanecer se escurrrió una vez más de entre sus brazos. De día aparecieron junto a palacio sus hermanas y le preguntaron, envidiosas, quién era su rico marido. Ella titubeó, dijo que un apuesto joven que ese día andaba de caza y, para callar su curiosidad, las colmó de joyas. Poco antes de que anocheciera, Psique tranquilizó a sus hermanas y las despidió hasta otra ocasión.

Con el tiempo, y como no podía ser de otra forma, Psique quedó encinta. Pidió entonces a su marido que hiciera llegar a sus hermanas de nuevo, ya que quería compartir con ellas su alegría. Él rezongó pero, tras cruzar parecidas razones, acabó accediendo. Al día siguiente llegaron junto a palacio sus hermanas. Felicitaron a Psique, la llenaron de besos y de nuevo le preguntaron por su marido. "Está de viaje, es un rico mercader, y a pesar de su avanzada edad..." Psique se sonrojó, bajó la cabeza y acabó reconociendo lo poco que conocía de él, aparte de la dulzura de su voz y la humedad de sus besos... "Tiene que ser un monstruo ", dijeron ellas, aparentemente horrorizadas, "la serpiente de la que nos han hablado. Has de hacer, Psique, lo que te digamos o acabará por devorarte". Y la ingenua Psique asintió.

"Cuando esté dormido, dijeron las hermanas, coge una lámpara y este cuchillo y córtale la cabeza". Enseguida partieron, y dejaron sumida a Psique en un mar de turbaciones. Pero cayó la noche, llegó con ella el amor que acostumbraba y, tras el amor, el sueño. La curiosidad y el miedo tiraban de Psique, que se revolvía entre las sábanas. Decidida a enfrentar al destino, sacó por fin de bajo la cama el cuchillo y una lámpara de aceite. La encendió y la acercó despacio al rostro de su amor dormido. Era... el propio dios Cupido, joven y esplendoroso: unos mechones dorados acariciaban sus mejillas, en el suelo el carcaj con sus flechas. La propia lámpara se avivó de admiración; la lámpara, sí, y una gota encendida de su aceite cayó sobre el hombro del dios, que despertó sobresaltado.

Al ver traicionada su confianza, Cupido se arrancó de los brazos de su amada y se alejó mudo y pesaroso. En la distancia se volvió y dijo a Psique: "Llora, sí. Yo desobedecí a mi madre Venus desposándote. Me ordenó que te venciera de amor por el más miserable de los hombres, y aquí me ves. No pude yo resistirme a tu hermosura. Y te amé... Que te amé, tú lo sabes. Ahora el castigo a tu traición será perderme". Y dicho esto se fue. Quedó Psique desolada y se dedicó a vagar por el mundo buscando recuperar, inútilmente, el favor de los dioses: la cólera de Venus la perseguía. La diosa finalmente dio con ella, menospreció el embarazo de la joven, le dio unos cuantos sopapos y la encerró con sus sirvientas Soledad y Tristeza.

El caso es que Venus decició someter a Psique a varias pruebas, convencida de que no podría superarlas; mas acudieron en ayuda de la joven las compasivas hormigas, las cañas de los ríos y las aves del cielo. La última prueba, en cambio, fue la más terrible: Psique bajó a los infiernos en busca de una cajita que contenía hermosura divina. En el camino de regreso, sin embargo, quiso ella misma ponerse un poco y, al abrir la caja, un sue´o insoportable se abatió sobre ella. Y habría muerto, de no ser porque Cupido, su loco enamorado, acudió a despertarla: "Lleva rápidamente la cajita a mi madre, que yo intentaré arreglarlo todo" dijo, y se fue volando. En la morada de los dioses, a petición de Cupido, Zeus determinó que los amantes podían vivir juntos. Así que Hermes raptó a Psique y la llevó al cielo, donde se hizo inmortal. Y fueron juntos felices Eros y Psique y a su debido tiempo tuvieron una niña a la que en la tierra llamamos Voluptuosidad.

François Gérard (Francia, 1770-1837), Cupido y Psique o Psique recibiendo el primer beso de Cupido

Francisco Pradilla Ortiz

2006-12-01T12:15:00.000+01:00

Hoy os ofrezco (a causa de no tener demasiado tiempo) un post antiguo que tenía en mi blog. Se trata de un cuadro sobrecogedor y sumamente teatral: "Doña Juana la Loca" de Francisco Pradilla Ortiz.

(como siempre, si pincháis sobre la imagen podréis verla a mayor tamaño)

Pradilla Ortiz, Francisco
Villanueva de Gállego (Zaragoza), 1848 – Madrid, 1921

"Pintor español. Se forma en Zaragoza con el escenógrafo Mariano Pescador, trasladándose a Madrid en 1866 donde comienza a trabajar con los también escenógrafos y diseñadores Ferri y Busato, ampliando conocimientos artísticos de la mano de Federico de Madrazo , Carlos Luis de Ribera y Ponciano Ponzano. En 1873 obtiene una pensión para estudiar en la recién creada Academia de Roma, estancia que aprovecha para viajar a París y Venecia donde queda impresionado por las obras de Tiziano, Veronés y Tintoretto. Desde Roma envía a España una serie de lienzos de temática histórica que le convierten en el representante más popular del género, destacando su Juana la Loca (Museo del Prado), y su Cortejo del Bautizo del Príncipe don Juan, hijo de los Reyes Católicos, en Sevilla, en 1478 (1910), Casón del Buen Retiro, Madrid. En 1881 es nombrado director de la Academia de España en Roma cargo que ocupa hasta 1883. Durante estos años viaja por toda Italia, realizando numerosos paisajes del natural en los que intenta dar a conocer las sensaciones atmosféricas y en los que convergen su entusiasmo y afecto por los lugareños, tal y como se observa en Baile en las Playa de Anzio y en Mes de la Vendimia. "

"Varias veces eligió Pradilla el personaje de Juana la Loca, y hay pruebas de ello en el Museo del Prado; pero también lo hicieron otros muchos pintores en el siglo XIX. En la corriente historicista que recorrió este siglo, el personaje de la loca princesa castellana gozó de gran aceptación. En la Exposición Nacional de 1878 se concedió a este lienzo, por primera vez, una medalla de honor. El cuadro presenta un momento de descanso en la marcha de la comitiva que acompañaba a la princesa Juana la Loca en el largo camino que había emprendido llevando el cadáver de su marido, el archiduque Felipe "el Hermoso". La demencia de doña Juana, acentuada desde tiempo atrás por los celos, le llevó a hacer este peregrinar (de Burgos a Granada donde quería enterrarlo) solamente por las noches, dado que "una mujer honesta debe de huir de la luz del día, cuando ha perdido a su marido que era su sol". Durante el día se resguardaba el féretro en algún convento, que en la ocasión que en el lienzo se conmemora era de monjas y no de frailes como debía ser: Juana hizo sacar de la iglesia el ataúd de su esposo, celosa de los ojos femeninos que pudieran verlo."

"El grito" de la desesperación

2006-11-30T18:02:00.000+01:00

"El grito" Munch
Clickear en la imagen para ampliación

Con motivo de un reciente comentario publicado en el post de Mondrian, hago esta entrada dedicada a la obra del más conocido exponente del Expresionismo de principios del siglo pasado.
Con ello intento desbaratar, basándome en los hechos, aquellas teorías que afirman que cualquiera es capaz de realizar obras tal que esta.

Munch es un artista noruego que, al igual que el resto de pintores de esta corriente, representa estados mentales, realizándolo con tanta fuerza que la apariencia normal de las cosas queda distorsionada. No son obras analíticas ni racionalistas, sino obras regidas por la pasión y los sentimientos. Surge en oposición al Impresionismo en una especie de acción-contrareacción.

"Death in the sickroom"

La realidad que a estos artistas les tocó vivir no era ni mucho menos agradable, recordemos que se trata de la Primera Guerra Mundial. En un mundo donde el amor no tenía cabida, adoptaron una actitud inconformista hacia la sociedad y de rechazo a la burguesía triunfante (como clase que cree en el progreso industrial como llave de la felicidad).
Al contrario que hiciera el fauvismo (acción-contrareacción), rechazaron todo lo que olía a belleza o armonía y se centraron en el sufrimiento, la injusticia y al violencia.

"The dance of life"

En "El grito" Munch simboliza precisamente todo ello. Los agresivos colores primarios (rojos, amarillos y azules) son usados de modo no convencional, pues sitúa los cálidos al fondo y los fríos delante, a pesar de que los fríos denotan profundidad y los cálidos cercanía.
La línea ondulante aporta ritmo a la composición y crea una imagen de angustia y desesperación que une lo desolador del paisaje con el personaje. La cara del protagonista es una máscara que enlaza con el resto de líneas curvilíneas creando una figura desmaterializada.

"The dead mother"

Es una obra que transmite una sobrecogedora tensión y nos hace sentir partícipes de la angustia que sufre ese individuo, el cual nos involucra en el cuadro de sus sentimientos mirándonos directamente, quizá, en busca de una respuesta. Respuesta ésta que no encuentra y nadie está dispuesto a ofrecerle en su sociedad, representada ésta por esos hombres que, indiferentes, se alejan por el puente.

OTRAS OBRAS DE MUNCH:

"Nietzsche"

"Ashes"

"Madonna"

"Evening on Karl Johan"

Tamara de Lempicka, sexo frío y apasionado

2006-11-29T13:50:00.000+01:00

"Muchacha de verde"

Ya era hora de traer una mujer al blog, así que aquí la tenéis: Tamara de Lempicka.

Etiquetada como pintora "art-decó", la obra de Tamara de Lempicka coquetea con el surrealismo y el cubismo. Habría mucho que decir de esta pintora, pero baste una pequeña muestra puesto que Lempicka pintó más de 500 cuadros a lo largo de su vida.

"Mujer con paloma"

"Adán y Eva"

Vanguardista para su época, en mi opinión es destacable el uso exclusivo y apasionado del color, así como las formas: en sus figuras, a veces suaves y redondeadas, a veces estilizadas, afiladas, frías y geométricas, de líneas suaves o contornos obtusos, pero siempre de una exhuberante sensualidad.

"Retrato de Mme. Allen Bott"

Aunque principalmente pintó retratos y figuras, muchas veces con fondos de rascacielos, las calas son, como tema central o como complemento, otro elemento recurrente en la obra de Lempicka.

"Calas"

La vida de esta pintora polaca es de esas vidas apasionantes que se refleja en su propia pintura. Nacida en Varsovia en 1898, Tamara Gurwik-Gorska, su verdadero nombre, procedía de una familia rica, lo cual le facilitó el acceso a una esmerada educación. A los 14 años sus padres se divorciaron y su abuela la envió a un colegio en Suiza. Dos años más tarde, a los 16, se casaría en Rusia con el abogado Tadeusz de Lempicki, a quien retrató en sus cuadros, al igual que a varios de sus amantes ocasionales, mujeres y hombres, algunos de los cuales eran marineros a los que iba a buscar a los bajos fondos parisinos.

"Retrato de Tadeusz de Lempicki"

Y a su hija Kizette.

"Kizette en el balcón"

Acaecida la Revolución Rusa y habiendo sido Tadeusz detenido, Tamara consiguió la liberación de su marido, gesto por el que fue considerada una heroína a pesar de que la mediación del cónsul de Suecia no fue tan desinteresada como podría parecer, puesto que obligó a Tamara a acostarse con él. Una vez libre Lempicki, la pareja voló a París, donde empezó a utilizar el nombre de "Tamara de Lempicka" y donde empezó a estudiar arte.

"Retrato de muchacha"

Lempicka no tardó en obtener reconocimiento por sus retratos, convirtiéndose en la pintora favorita de la burguesía y la alta sociedad.

"Retrato de Madame P"

Es famosa la vida bohemia y transgresora de esta pintora. Se dice que acostaba a su hija para dirigirse a fiestas privadas que otros o ella misma organizaba donde se practicaban orgías multitudinarias, corría la droga a raudales, se paseaban criados desnudos y donde Lempicka amanecía en brazos de amantes de ambos sexos. Fue bisexual en una época en la que la atracción por hombres y mujeres era considerada un escándalo.

"Suzi Polidor"

En 1933, año del ascenso del Partido Nazi al poder en Alemania, tras divorciarse de Lempicki contrajo matrimonio por segunda vez a los 35 años (aunque, en realidad ella, coqueta y mentirosa, insitía en que había nacido años después) con uno de sus amantes, quien por cierto había adquirido muchos de sus cuadros, el barón Raoul Kuffner, y se convierte, por tanto, en baronesa.

"La Dormeuse"

Con el estallido de la II Guerra Mundial la pareja se traslada a Beverly Hills, California, donde se haría amiga de célebres personajes del celuloide y de la época como Greta Garbo, Mary Pickford, Orson Welles, Tyrone Power, Charles Boyer, Rita Hayworth o el barón de Rotschild, a los que ofrecía fiestas en las que los invitados se contaban por varios centenares. Cuatro años después se trasladó a New York, residiendo en el Waldorf Astoria y más tarde en un lujoso apartamento, donde continuó pintando en su inimitable estilo.

"Autorretrato en Bugatti"

Tras la muerte de su marido en 1962 se trasladó a Houston, Texas. Era una ferviente anticomunista a pesar de haber viajado a Cuba, dato que ocultó, como recuerdo del régimen bolchevique del que huyó. El resto de su vida transcurrió con mucha menos agitación, aunque, tras treinta años pintando en el mismo estilo, trató de desarrollar uno nuevo, pero el público no respondió y dejó de pintar.

"Mujer de ojos verdes"

A los 80 años se fue a vivir a Cuernavaca, México, y en 1980 murió mientras dormía. Sus cenizas fueron esparcidas sobre el volcán Popocatepetl.

"Mujer durmiendo, 1930"

Después del baño. Bouchard.

2006-11-28T09:45:00.000+01:00

Hoy os traigo otra provocación. Pues este lienzo me parece absolutamente sensual y escandaloso. Se llama "Después del baño" y su autor es Paul-Louis Bouchard, representante de una corriente llamada "orientalismo europeo".

"Bouchard era famoso por sus pinturas de seductoras ninfas pelirrojas y desnudas en harenes turcos. También pintó vistas de Moscú, el parque de Versalles y paisajes franceses. Après le Bain ("Después del Baño") es una de sus pinturas más interesantes.

Los exóticos hammams (baños públicos) capturaron la imaginación de Bouchard. Lavarse y purificarse es una obligación religiosa en países Musulmanes, tanto para hombres como para mujeres y cada ciudad y casi cada pueblo tenía al menos un hamman. Los baños fascinaron a los "orientalistas" y movieron sus imaginaciones para crear en numerosas pinturas la representación de ellos. En "Después del Baño" una joven hermosa está siendo secada después de un baño por un criado. Ella lleva las altas sandalias típicas de madera solidas para proteger los pies de los bañistas de los pisos caldeados (con calefacción) de mármol y del deslizamiento. Los más complicados fueron hechos de ébano, palisandro(palo de rosa) o sándalo decorado con plata o con nácar."

Mondrian, camino a la abstracción

2006-11-27T16:35:00.000+01:00

Antes de nada, indicaré las premisas necesarias que debe conocer cualquier espectador que se disponga a ver la obra de un pintor abstracto:
- La obra no tiene por qué representar nada identificable, ni siquiera tiene por qué significar algo.
- De lo anterior deducimos que el valor del cuadro reside en sí mismo --> autonomía del Arte.
- El espectador experimentará distintas sensaciones según la combinación de colores y líneas.
- La obra de arte deja de ser un medio de conocimiento para convertirse en fuente de emociones y de sentimientos.

Situamos a Mondrian en el Neoplasticismo holandés y a éste movimiento, a su vez, en la 1ª abstracción. Mondrian en concreto estaba muy influido por el matemático Schoenmackers y sus doctrinas teosóficas.
Era un hombre solitario, sin confianza en el mundo. Perteneció a un grupo anarquista del que pronto se desvinculó.

Clasificaremos su obra en cinco etapas:

1ª etapa; reside en París, donde conoce a Picasso y Braque, por lo que estará sumamente influído por el movimiento cubista de ambos. Por tanto, observaremos la descomposición geométrica de las formas y predominarán los tonos apagados (gris, marrón y negro), así como la línea negra, que constituirá el armazón básico del cuadro.

"Composition VII" 1913

2ª etapa; vuelve a Holanda con motivo de la Gran Guerra, donde forma un grupo artístico denominado "De Stijl". La intención de este grupo es la de crear un lenguaje novedoso que llegue a todos los públicos. Para ello reducirán al máximo los elementos del cuadro, llegando a la esencia de las cosas a través de la simplicidad. Dicen poder reducir todo a líneas verticales y horizontales y empieza a trabajar con los colores básicos (rojo, azul y amarillo).

"Composition with gray and light brown" 1918

3ª etapa; a partir de 1921 empieza a construir sus cuadros en base a un enorme centro en blanco vacío y estructurador del cuadro. El color lo desplaza a los bordes. También convierte su estudio en pieza de exhibición de interiorismo, fabricando muebles, pintando paredes, etc.

Reconstrucción del estudio de Mondrian

"Composition with red, yellow and blue" 1921

4ª etapa; en los años 30 publica "El nuevo arte, la nueva vida", libro donde anuncia el fin del Arte tradicional. Dicho y hecho, a partir de Mondrian se sucederán una serie inagotable de pintores abstractos que huyen de cualquier evocación a la pintura tradicional.
En este periodo hace cuadros de mayor formato, además generaliza el uso de la doble línea negra.

"Composition nº 10" 1939

5ª etapa; en los años 40 reside en Nueva York. Se produce un importante cambio: ahora las líneas dejan de ser negras para pasar a ser en colores primarios. También comienza a usar una especie de cinta adhesiva de colores como elemento constructivo de su obra.
Su ambición será la de unir pintura y música mediante sus rítmicas composiciones.

"New York City" 1942

"Broadway Boogie Woogie" 1942

Robert Doisneau, el arte en las esquinas

2006-11-24T22:27:00.000+01:00

"Le baiser de L'Hotel de Ville-Paris"

Tengo la casi absoluta certeza de que la mayoría de nosotros hemos visto, en alguna parte, esta famosa fotografía que recoge un apasionado beso de una pareja ante el ayuntamiento de París. No obstante, Robert Doisneau fue algo más que "esa" fotografía; de hecho, es considerado como uno de los más célebres fotógrafos franceses.

Ésta es mi favorita: "Un musicien"

Doisneau, nacido en 1912 y fallecido en 1994, supo captar estampas de la vida parisina de su época, con picardía, con romanticismo, con modestia, con ironía, con ingenuidad, con humanismo, pero siempre de gente corriente en situaciones corrientes... o casi.

"Pipi Pigeon"

Trabajó para afamadas revistas gráficas, como "Vogue", "Life" y otras, pero su cámara (Rolleiflex y Leica) nunca salió de Francia.

"Les amoreux"

El fotógrafo habíoa nacido en los suburbios parisinos, y tras una no muy buena experiencia escolar, ingresó en una escuela de artesanía, en la cual tomaría sus primeros contactos con el mundo del arte, convirtiéndose en profesional en el año 1934.

"Le manège de Monsieur Barre"

Trabajó además para la casa Renault hasta que fue despedido (no he encontrado la causa) en 1939, y fue entonces cuando decidió convertirse en fotoperiodista independiente, pero fue reclamado por el Ejército francés, donde sirvió hasta 1940, cuando se unió a la Resistencia, en la cual participó hasta el fin de la guerra. Paralelamente se dedicó a las postales para ganar algo de dinero.

"Les ecoliers curieux"

Su fotografía "La mujer indignada" representa la reacción de una señora a un desnudo expuesto en el escaparate de una galería de la rue de Seine. La mujer se muestra, como el título indica, indignada y a la vez sorprendida ante la visión de un cuadro en el que figura una mujer desnuda, cuadro que data del siglo XIX cuando las prostitutas (así lo sugiere su pose y los complementos) eran sujeto habitual de la pintura de los artistas de la época. Aunque la fotografía contiene un significado profundo, en realidad parece una escena más de la comedia humana.

"La dame indignée"

Doisneau contaba que su trabajo era fruto de largas esperas apostado en las esquinas, por tanto su fotografía es más intuitiva que científica.

"La stricte intimité"

Alma-Tadema, el Sir

2006-11-23T22:57:00.000+01:00

Sir Lawrence Alma-Tadema, holandés de nacimiento, es considerado uno de los mejores pintores neoclasicistas de la era victoriana de finales del XIX.

"Cherries"

En su época, Alma-Tadema fue un artista tremendamente conocido y reconocido. Sus obras atraían tanto temáticamente como técnicamente o, simplemente, visualmente.

"God speed!"

Sin embargo, al morir Lawrence, su obra fue desprestigiada y cayó en el olvido hasta su posterior revalorización, pocos años atrás.

"Pheidias and the freize of the Pathenon, Athens"

Comenzó representando escenas medievales pero, con motivo de un viaje realizado a Pompeya, su vida dio un salto en el tiempo, empezando a representar motivos de la Antigua Roma y Grecia. Enamorado de estas culturas que acababa de descubrir, siguió especializándose en este periodo.

"Silver favourites"

Sus cuadros nos transmiten una gran tranquilidad, nos relajan. Le encanta representar el mármol con todo su brillo y elegancia, así como aguas cristalinas, bien sean de termas, bien lo sean del ponto.

"A favourite custom"

Se centró, sobre todo, en las escenas cotidianas de griegos y romanos, sin embargo, también hizo escenas bíblicas o egipcias. Es, sin lugar a dudas, el gran retratista de las costumbres de los Antiguos, sobre todo, a través de mujeres rebosantes de sensualidad.

"The baths of Caracalla"

Pocas pinturas podremos ser capaces de encontrar que sean tan sumamente agradables de contemplar. La luz juega en ello un papel fundamental, esa luz limpia y nítida del Mediterráneo queda perfectamente plasmada en toda su obra.

"The favourite poet"

Urbano Lugrís, de mi tierra

2006-11-22T17:54:00.000+01:00

"Tormenta"

Traigo hoy a este blog una muestra del trabajo de un pintor quizás poco conocido: Urbano Lugris González, uno de los más sobresalientes pintores gallegos. Era hijo del poeta, comediógrafo y presidente de la Real Academia Galega don Manuel Lugrís Freire. Nació en La Coruña a principios del siglo XX, no está claro si en 1908, o en 1902. De la mano de su padre, que le introdujo en la vida cultural, trabó amistad con personalidades artísticas de la época, como García Lorca, Alberti, Cunqueiro... Aunque vivió el Madrid de preguerra, en sus cuadros predominó siempre la temática de su tierra, leyendas celtas, figuras gallegas, y sobre todo el paisaje de Galicia.

"Lenda mariña"

La obra de Lugrís linda entre varios estilos pictóricos, y así se pueden apreciar en ella influencias del surrealismo de Magritte, el barroquismo y la minuciosidad de Brueghel y El Bosco, el colorido de Patinir... Yo advierto también en él influencias cubistas y tonos marrones de la pintura de Juan Gris.

"Habitación do vello mariñeiro"

Urbano Lugrís se inspiró en el mar de su tierra para plasmar sus inquietudes, y dotó a sus cuadros de un mágico colorido y una mágica atmósfera.

"El fuego de San Telmo"

Hacia la década de los 60 y 70 la pintura de Lugrís va evolucionando acorde con la tendencia de los tiempos. La vasta obra de este pintor abarcó varias facetas artísticas: dibujo, pintura, murales, ilustraciones de libros, poesía, teatro e incluso arquitectura con la construcción de una ermita.

"Paisaxe"

Lugrís fue decorador de los camarotes del yate "Azor" de Franco, y es una lástima que haya venido siendo sistemáticamente utilizado políticamente tanto por un signo como por otro; en la actualidad es el nazionalismo quien se hace uso exclusivista de la figura y la obra de este insigne pintor. Cuando el arte es utilizado como arma política, deja en parte de ser arte.

"Mariña"

Lugrís era un gran fantaseador, un excelente narrador y estaba dotado de una memoria prodigiosa: dícese que se sabía "La Odisea" de memoria.

La muerte de su esposa Paula en 1961 marcó hondamente a Lugrís, quien cayó presa de hondas depresiones y se dio a la bebida; aún así, no abandonó la pintura y siguió produciendo obras en su mismo estilo onírico y de ensueño hasta su muerte en Vigo en el año 1973. Su hijo Urbano Lugrís Vadillo, nacido en 1942, es también pintor, en la misma línea surrealista de su padre, más "magrittiano" aún si cabe, que sobrelleva el saberse hijo de genio.

"Son os meus amores máxicos"

Intro al Arte Moderno

2006-11-20T17:00:00.000+01:00

El Arte es reflejo de las ideas y del estilo de vida de la gente; nuestro mundo, por tanto, está reflejado en el Arte Moderno. Pero entender Arte Contemporáneo supone un aprendizaje; Tàpies dice al respecto: "El entendimiento del Arte Contemporáneo forma parte del problema general de la alfabetización del país".
Mediante la velocidad el hombre acorta el espacio, acelera rendimiento y cambia deprisa. La velocidad obsesiona al hombre moderno y en términos artísticos la velocidad supone evolución. Todo lo nuevo es positivo por el mero hecho de serlo. La obra de arte debe causar impacto, provocar, escandalizar y debe ser novedosa. El artista debe estar continuamente innovando, siendo, como ya se ha dicho, lo nuevo el valor más importante de una obra. A consecuencia de ésto, los movimientos artísticos se suceden vertiginosamente y la obra de arte se convierte en un objeto más de mercado.

"Cruz y tierra", Antoni Tàpies

Esta entrada va especialmente dedicada a aquellos que creen no tener conocimientos suficientes de Arte; quiero demostraros que todos podéis opinar y que vuestra postura es tan válida como cualquier otra.
¿Qué opináis acerca del Arte Moderno? ¿Coincidís con Tàpies? Yo, de momento, no me posiciono.

Pensamientos de papel

2006-11-20T13:44:00.000+01:00

"Un jarro de cristal se ha quebrado por un golpe de abanico. El agua se ha ido extinguiendo lentamente como el jugo de las flores. Así también la mano que se ama rozando al corazón le hace una herida, luego se va rompiendo por sí solo y la flor del amor pierde la vida."

Sully Proudhomme, fragmento de "El jarro quebrado".

John William Waterhouse, Circe Invidiosa.

Neoimpresionismo

2006-11-18T15:07:00.000+01:00

El Neoimpresionismo es el arte de la división cromática, técnica que sucedió al Impresionismo y precedió al Postimpresionismo.

"Saint-tropez", Signac

Seurat y Signac decidieron asociarse en 1884 para dar un fundamento científico al Impresionismo. Así pues, sintetizaron las teorías visuales de los científicos Helmoltz y Chevreul con la pintura, creando el denominado puntillismo o divisionismo.

"Les poseuses", Seurat

Esta técnica consiste en la aplicación de puntitos de color que recomponen la unidad del tono. Dividen, por tanto, el tono de color puro en infinidad de pequeñas pinceladas que, después, nuestro ojo recompondrá. Esta recomposición del conjunto por parte de nuestra retina se realiza mediante la denominada "mezcla óptica".

"Portrait de M. Félix Fénéon", Signac

Sitúan, una junta a otra, pinceladas de colores complementarios, ya que éstos, situados uno al lado del otro, logran ambos cobrar fuerza y brillo, mientras que si de un color no complementario se tratase, ambos se anularían. La luz, al igual que para los impresionistas, es fundamental.

"Une baignade", Seurat

Mientras que los impresionistas se limitaban a observar, éstos aplican leyes del color a sus obras. Además, el impresionista creaba pseudoinstintivamente; el neoimpresionista calcula metódica y minuciosamente la combinación de líneas, tonos y colores.

"Saint-tropez" (II), Signac

Sin embargo, entre la obra de Signac y la de Seurat también existen diferencias. Signac aplica toques anchos y planos, mientras que Seurat aplica finos puntitos. Además, Signac representa principalmente escenas portuarias, mientras que Seurat crea figuras como si de maniquíes se tratase.

"Un dimanche après-midi à l'île de la Grande Jatte", Seurat

El metro de Moscú, arte bajo tierra

2006-11-17T16:08:00.000+01:00

Московское метрополитен

Si la ciudad de Moscú es ya en sí una maravilla, lo que hay debajo de la ciudad de Moscú no puede dejarnos indiferentes, porque es una maravilla arquitectónica, una obra de arte en sí misma. En un país con una economía destrozada, hay algo de lo que los moscovitas dependen: el metro de Moscú.

También conocido como "El palacio subterráneo", fue inaugurado en 1935. Es el primero del mundo por densidad de pasajeros, transporta alrededor de 3.341.500.000 personas al año y cerca de 9,2 millones de personas lo utilizan al día. Cuenta con 165 estaciones y ofrece 11 líneas en una longitud de tendido subterráneo de 270 kilómetros, siendo el quinto en el mundo tras los metros de Nueva York, Londres, París y Tokio.

Es, como digo, una obra de arte en sí misma. Arquitectónicamente es un espacio ecléctico con mezcla de varios estilos. Estar en el "Palacio subterráneo" es como visitar un gran museo con sus diferentes salas, pues en cada estación podremos ver obras de arte por doquier: pinturas, esculturas, mosaicos, relieves, vidrieras...

El metro de Moscú es el mayor del mundo en número de pasajeros, acogiendo cualquier día de la semana a un porcentaje de ocho a diez millones de personas. El precio del billete es muy asequible y pueden adquirirse bonos para varios viajes. Los trenes pasan puntualmente cada 50 segundos.

Stalin inició la construcción del metro como un colosal proyecto que sirviese no sólo de transporte, sino monumento al comunismo, por lo que las estatuas y mosaicos de importantes figuras y escenas de la Revolución salpican las paredes de cada estación.

Muchas de las estaciones están decoradas o construidas con mármol sólido, de manera que cada una de ellas es arquitecturalmente única, con su propia decoración artística, aunque el sistema de puertas, transfers y salidas es común. Aún así, utilizar el metro es Moscú, aún siendo la manera más fácil de moverse por la ciudad, resulta harto complicado, no sólo porque todo esta escrito en cirílico, sino porque las paradas comunes para cada línea cambian de nombre según la línea de la que se trate. Una curiosidad es que en la línea nº 5, circular, que se cruza con el resto de las estaciones, una voz masculina indica por megafonía si el tren avanza en el sentido de las agujas del reloj, y una voz femenina si va en sentido antihorario. En las líneas radiales una voz masculina avisa de que el tren se acerca al centro de la ciudad, y una voz femenina que se aleja del mismo.

Las estaciones fueron construidas durante la II Guerra Mundial y sirvieron de refugio antibombardeo. Son bastante profundas y cuentan con larguísimas escaleras hasta el exterior.
Asimismo, y lógicamente, ofrecen protección frente al riguroso frío de Moscú. Tan diferentes son las estaciones entre sí que incluso alguna de ellas tiene "nacionalidad", de manera que, por ejemplo, la estación "Prazhskaya" ha sido decorada por maestros checos, la "Rimskaya" por los italianos, la "Rizhskaya" por los pintores letones, etc.

Hoy en día el metro sirve de reflejo de la sociedad moscovita y su paisaje urbano ilustra los cambios socioeconómicos y culturales de la capital rusa, de manera que junto a los kioskos, puestos de flores o venta de CDs pululan músicos y artistas callejeros, vendedores y prostitutas. Pero el gran museo de la dictadura del proletariado sigue albergando imágenes y reminiscencias de tiempos pasados y afortunadamente superados.

(Podéis visitar virtualmente el metro de Moscú pinchando aquí)

Madame X (Madame Pierre Gautreau)

2006-11-17T11:10:00.000+01:00

Hoy os traigo un cuadro polémico que llevó a su autor a exiliarse a Gran Bretaña. El retrato, "Madame x", fue pintado entre 1883 y 1884 por John Singer Sargent. Cuando "Madame X" fue mostrado en el Salón de 1884 se convirtió al instante en un escándalo en la sociedad francesa como consecuencia de su marcada postura sexual y el color pálido de su piel. La "X" de Señora X era en realidad la Señora Gautreau (1859-1915) cuya reputación al parecer fue destruida y John hubo de abandonar Francia.

Al parecer los más indignados el día de la inauguración de la exposición fueron los familiares de la retratada, que pidieron que la obra fuese destruida como reparación. Cosa que por supuesto no se hizo, sino que con el tiempo la obra se convirtió en un éxito. Tarde como siempre, añado yo. Madame X era un éxito en la sociedad parisien de la época, por su belleza y por su estilo en el vestir, una de las cosas que se reprochaban del lienzo era precisamente eso, el vestido. En fin, hipocresías habituales entre humanos.

El tamaño de la pintura es enorme, midiendo casi siete pies alto (2 metros) y con la sensualidad subyacente (al menos para la mentalidad de la época) casi amenazando al espectador.

Nacido en Florencia, de padres americanos, John Singer Sargent recibió su primera formación en su ciudad natal, trasladándose muy pronto a París para estudiar la técnica del retrato. El primer viaje que realizó a los Estados Unidos data de 1876.

En 1879 tuvo dos experiencias fundamentales para su carrera; tuvo un gran éxito en el Salón de París con el retrato de su maestro Carolus-Duran y viajó a España donde conoció de cerca y copió las obras de los grandes maestros, especialmente de Velázquez, que marcaría su estilo a partir de ese momento.

Se convirtió en el más afamado retratista de la alta sociedad europea y americana, viviendo en París, Venecia y Londres. El escándalo que produjo la exposición en París de su obra Madame X, motivó que se trasladase definitivamente a Londres, ciudad en la que vivió hasta su muerte.

En cuanto a la hermosa mujer representada en el lienzo he encontrado esta breve biografía:

Virginie Avegno (1859-1915) nació en Luisiana, era hija del Comandante Anatole Avegno de Nueva Orleans, un caballero cuya familia había emigrado de Camogli, Italia, y Marie Virginie de Ternant de Plantación Parlange, Luisiana. Después de que el Comandante Avegno muriera de heridas sufridas en la Batalla de Shiloh, la Sra. Avegno llevó a sus hijas a París. Allí Virginie se conviertió en una belleza famosa y se casó con Pierre Gautreau, un banquero Parisino.

Sargent probablemente la encontró en 1881. En 1882, él la escribió sobre el deseo pintar su retrato. Trabajó en él en la casa de verano de Gautreau en Bretaña en 1883, teniendo la dificultad de encontrar una postura conveniente y la perspectiva. Numerosos estudios muestran sus tentativas diferentes en la composición. El retrato finalmente ejecutado fue expuesto en el Salón parisiense de 1884 como " el Retrato de Mme X" y creó un escándalo. Sargent lo consideró uno de sus trabajos mejores; una segunda versión inacabada de la misma postura está en la Galería Tate en Londres.

Eso es todo espero que os haya impresionado tanto como a mi, su postura, la palidez de su piel, ese escote vertiginoso, la cintura "de avispa"...

75 años de Tomato Soup

2006-11-16T15:53:00.000+01:00

El museo Andy Warhol, de Pittsburg, y el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York, celebran el 75 aniversario del nacimiento del artista estadounidense, considerado el rey del arte pop, con una serie de eventos que tratan de demostrar que Warhol fue una de las figuras dominantes del siglo XX y el artista más influyente de las últimas cinco décadas.
Así que ya sabéis, si a alguien le pilla de paso, puede apuntarse a la fiesta!

Toulouse-Lautrec, el cartelista

2006-11-15T16:47:00.000+01:00

Quisiera hablaros de uno de mis autores favoritos del Impresionismo; por apellido, Toulouse-Lautrec. Así pues, adentrémonos juntos en el fascinante viaje de su vida y obra...

"Jardin de Paris"

Toulouse-Lautrec est né en France. Pertenecía a una familia aristocrática, pero nunca se sintió aceptado por la gente de su entorno social, ya que a los 14 años se detuvo su crecimiento, quedando deforme y enano para toda la vida.

Este rechazo social le sumió en profundas depresiones y pronto comenzó a frecuentar cabarets y cafés de París. Sufrió crisis alcohólicas y en su vida sólo cabía la melancolía; sentimientos estos reflejados a través de las caricaturas con las que representa los rostros o las escenas de prostitutas.

"L'inspection médicale"

Se dedicó, sobre todo, al diseño bidimensional, muy influído por la popular estampa japonesa que conquistaba Europa entera. En todas sus obras el paisaje no es más que accesorio, incluso tiende a enfocar el primer plano y desenfocar el segundo.

"Divan japonais"

Es un exponente clarísimo de publicista y cartelista de la época, convirtiéndose así en el cronista del París nocturno. Los más importantes locales parisinos encargaban a Toulouse-Lautrec la publicidad de los mismos.

"Moulin Rouge"

Usa tintas planas aplicadas en planos de colores puros, vivos y contrastados. Pero no usa sólo el color (como hacían los impresionistas del momento), sino que también es un excelente dibujante.

"Le chat noir"

"La toilette"

"Reine de joie"

El arte en la contienda (1940-1946)

2006-11-14T23:24:00.000+01:00

"Existe un cierto punto en el que llegas a no sentir nada"
Alex Colville, del ejército canadiense

Doy un salto en el tiempo hasta llegar a la II Guerra Mundial y referirme al arte en la contienda, que ha sido oscurecido por los bombardeos, las masacres y la muerte. He hecho una pequeña selección. Por supuesto, ni son todos los que están, ni están todos los que son.

Alan Moore, Ciego en Belsen, Australia

Laura Knight, Ruby Loftus, Inglaterra

Jack Nichols, Infantería en LSI bajo bombardeo, Canadá, 1944

Charles Bush, Sesión de cine en Moresby, Australia

Aba Bayefsky, Dakotas de la RCAF repostando, Canadá, 1946

Paul Nash, Totes meer, Inglaterra, 1940-41

Laura Knight, Despegando, interior de un bombardero, Inglaterra

Charles Fraser Comfort, Piazza di San Francisco di Assisi, Canadá

Thomas Cantrell Dugdale, No pueden seguir adelante sin nosotras, Inglaterra, fecha desconocida

Henry Moore, Devastación 1941, Inglaterra, 1941

Colin Colahan, Estación Waterloo, Australia, indeterminado

Y termino con una obra contemporánea, "Vista de una pintura que una vez decoró la puerta de un bombardero", de Ira Block. Espero que mi selección sea de vuestro agrado.

"Niños en el carretón", en paradero desconocido

2006-11-14T15:36:00.000+01:00

El cuadro, pintado por Goya en 1778 y titulado 'Niños en el carretón', era una de las 135 obras de pintores españoles que se incluyen en la exposición 'Pintura española desde El Greco a Picasso: Tiempo, Verdad e Historia', que está previsto que inauguren los Duques de Lugo este viernes en el museo Solomon R. Guggenheim neoyorquino.
Según apuntaron los museos norteamericanos, el cuadro, fue robado en las proximidades de Scranton, en Pennsylvania, mientras era trasladado por un transportista especializado en arte.

Bouguereau, El hermano pequeño.

2006-11-14T10:58:00.000+01:00

Recojo el guante lanzado por Maggie e incluyo el post del pasado viernes. Se trata de la imagen con la que podéis reconocerme en internet. Quizá esto me reste un poco de misterio, pero creo que merece la pena si con ello os doy a conocer esta hermosa obra y su fantástico autor.

El cuadro se llama Le Jeune Frere (el hermano pequeño) y está fechado en 1900. (Si pincháis sobre la imagen podréis verla mucho más grande).

William Adolphe Bouguereau (30 de noviembre de 1825 - 19 de agosto de 1905) fue un pintor académico francés.

Estudiante en la Académie Julian en París, sus pinturas realistas y de temas mitológicos fueron exhibidas en las exposiciones anuales del Salón de París durante toda su carrera. Aunque sufriese la indiferencia de los críticos, quizá debido a su fuerte oposición al entonces triunfante impresionismo, actualmente hay una nueva revaloración de su trabajo.

Bouguerau estuvo casado con otra artista, Elizabeth Jane Gardner. Gracias a su influencia, muchas instituciones de arte francesas se abrieron por primera vez a las mujeres, incluyendo la Academia Francesa.

Me encanta como las miradas lo dicen todo en este lienzo, como la hermana mayor la mantiene vigilante sobre el angelito rubio que sostiene de manera tan natural entre los brazos. La mirada del niño es directa hacia el que los observa, a la vez que su gesto se muestra confiado, seguro entre unos brazos protectores... ¿Y qué decir de la vestimenta de la joven (disculpadme que piense en ella como Indrackia)? Esa túnica etérea, ligera, con esos maravillosos pliegues. En fin, que me parece un cuadro precioso.

Bouguereau, mi aportación

2006-11-13T23:03:00.000+01:00

"Petites maradeuses"

La mejor prueba de que el arte está por encima de ideologías, o de que las diferentes ideologías pueden unirse por el arte es el nuevo blog que acaba de nacer: Artis amantes. En él nos hemos unido Indrackia, Nüx y yo. La verdad es que puedo decir que ideológicamente tengo muchas cosas en común con Indrackia, como todos sabemos, no así con Nüx, lo cual no es óbice para que le haya propuesto formar parte del blog y ella haya aceptado. Y tan contentas todas.

La idea de crear este nuevo blog se me ocurrió en uno de los muchos intercambios de opiniones sobre arte en el blog de Indrackia. Con Nüx también he intercambiado interesantes opiniones, y las dos son personas que pueden aportar muchísimo al blog, tanto por conocimientos como por inclinaciones.

Se trata de disfrutar. No hay obligaciones.

El título... bueno, se me ocurrió, simplemente, al igual que la elección de la plantilla, que me ha parecido sobria y adecuada, lo cual no significa que los cambiemos si con ello mejora nuestro blog.

Esperamos que os guste también Artis Amantes. Las amantes del arte.

Y puesto que me temo que Bougeureau nos une a las tres (y me temo que ya sabes lo que te va a tocar, Indri, para completar el tríptico;), entre otros muchos, y dado que mi compañera Nüx me ha pisado, y muy bien por cierto, el tema (no por nada, sino porque ya tenía escrito el post... Nüüüüx ;), poco más queda por añadir más que aportar mi toque personal y mis observaciones, así como seleccionarla que es mi obra favorita de este pintor, conocido principal e injustamente por esta obra, que sin duda a todos os "sonará" y de la que puede que muchos tengáis en vuestras casas alguna copia, siquiera en forma de postal:

"First Kiss", también conocida como "L'amour Et Psyche Enfants"

Mujeres, ángeles, niños, mitología y figuras religiosas fueron la principal temática deeste señor con aspecto bonachón que aparece a la izquierda. En la pintura de Bouguereau predomina en cuanto al color el uso de tonos pasteles con tal maestría que les inculca, en mi opinión, un halo de vida y dinamismo, aunque en otras utiliza tonos más vivos, pero siempre rodeados de esta huella de calidez. Creo que Bouguereau es el pintor de lo etéreo, como si sus pinturas tuviesen un halo de misticismo que percibe, o no, el ojo humano. Bouguereau fue también retratista, si bien no logró destacar en esta faceta, y sus retratos están impregnados de un cierto academicismo que hace que pueda pensarse que han sido plasmados por otro pintor.

Me llama la atención que los ojos de algunas de las figuras de los cuadros de este pintor poseen un cierto defecto. Si nos fijamos bien vemos que tanto el cuadro "Cupido y la mariposa" como el que sirve de avatar a Indrackia parecen tener miopía, por el globo ocular redondo y agrandado. Es una observación personal.

Pero la obra pictórica de Bouguereau es mucho más que "los dos angelotes", y dentro de la misma se encuentran delicias como ésta (mi favorita), en la que Bouguereau plasma a la perfección la atracción sensual, emocional e intelectual:

"La Vague"

También me gusta mucho ésta. El título y el simbolismo lo dicen todo.

"Douleu d'amour"

Y ésta. Obsérvese la perfección en el trazo de los ropajes, el uso del color la contraposición de una figura totalmente vestida contra el conjunto de su pintura en el que predomina el desnudo, y la naturaleza como fondo.

"Modestie"

Bouguereau, un pintor de tiempos más puros e inocentes.... o no tanto. Buceando entre la pintura de Bouguereau se pueden encontrar obras de alto contenido sexual, como ésta:

"La soif"

Para terminar, nada mejor que una frase del propio William Bouguereau: "Cada día me dirijo a mi estudio lleno de alegría; al anochecer, cuando me veo obligado a dejar de pintar por la falta de luz estoy ansioso porque llegue de nuevo el día... si no puedo darme a mí mismo mi querida pintura me siento un miserable". Sin duda, la alegría que sentía al pintar es la misma que imprimió a sus cuadros.

"Invading Cupid Realm"

Bouguereau, la sutileza

2006-11-13T17:06:00.000+01:00

He decidido estrenar el blog con una invitación al conocimiento de la obra neoclasicista de Adolphe William Bouguereau.

"Cupido y la mariposa"

Al igual que ocurriera con David, Bouguereau fue un protegido y querido de la Corte francesa de la época de Napoleón III. Tuvo que pugnar, así pues, con la efervescente corriente impresionista, aunque más bien ocurrió al contrario: mientras Bouguereau y el resto de los academicistas eran venerados por las élites francesas y expuestos en todas sus galerías, los impresionistas quedaban relegados a la "Sala de los no-expuestos".

"Orestes acosado por las Furias"

Como gran exponente del academicismo francés, Bouguereau dominaba la técnica pictórica, siendo su mayor arma su impecable dibujo. Es innegable la influencia de Ingres y David a lo largo de toda su obra, al igual que de, por supuesto, los autores clásicos.

"Alma parens"

Otra de las razones por las que adoro a este pintor, es porque solía representar temas mitológicos. Aunque es principalmente conocido por sus tiernos angelotes, también creaba alegres escenas protagonizadas por ninfas o revivía los mitos clásicos que, desde el XIX, volvían a estar de moda entre los intelectuales franceses.

"La Primavera"

Técnicamente, destacaría su impecable uso de la luz y la sombra, así como la perfección y sutileza (como reza el título de la entrada) reinantes en todas sus obras a la hora de representar la desnudez del cuerpo humano.
Deleitáos!

"Joven defendiéndose de Eros"

"El Nacimiento de Venus"

"Ninfas y sátiro"

Bienvenidos

2006-11-13T12:36:00.000+01:00

Este es un blog en el que colaboraremos aquellos que amamos el arte.